Las imágenes más extrañas

Artes, si no se aprovecha en el cálculo de los realistas, siempre ha sido, es y será extraño. Metafórica, la búsqueda de nuevas formas y medios de expresión. Pero una extraña imagen de un país distinto.

A continuación se presentan dos docenas de las más extrañas imágenes. De manera deliberada no se incluyeron en esta colección de Salvador Dalí, cuyas obras son totalmente caen bajo el formato del material, y el primero que vienen a la mente.

Munch "Cry"

1893, óleo sobre cartón, tempera, en colores pastel. 91h73, 5 cm

Galería Nacional de Oslo

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"El grito" se considera un expresionismo evento de referencia y uno de los cuadros más famosos del mundo.

"Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se ponía - de repente el cielo se volvió rojo sangre Hice una pausa, sintiendo el cansancio, y me apoyé en la valla - Miré la sangre y lenguas de fuego sobre el fiordo negro azulado y la ciudad - mis amigos caminando, y me quedé allí, temblando de emoción, sintiendo la naturaleza interminable grito desgarrador ", dijo Munch acerca de la historia de la pintura.

Hay dos interpretaciones de una imagen: es el héroe a sí mismo envuelto en horror y llora en silencio, presionando sus manos a los oídos; o el héroe se tapa los oídos de sonar gritando paz y la naturaleza. Munch pintó cuatro versiones de "El grito" y una versión de que esta foto - el fruto de una psicosis maníaco-depresiva, que afecta a la artista. Después del tratamiento en la clínica Munch no volvió a trabajar en la web.

Paul Gauguin "¿Por dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?"

1897-1898, óleo sobre lienzo. 139 1h374 6 cm

Museo de Bellas Artes de Boston

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una profunda postimpresionista Paul Gauguin imagen filosófica fue escrito por ellos a Tahití, donde había huido de París. Una vez finalizado el trabajo, incluso quiso suicidarse, porque "creo que este lienzo no sólo supera a todos mis precedentes, y nunca voy a crear algo mejor o similar." En la dirección de la pintura de Gauguin deben leerse de derecha a izquierda - los tres principales grupos de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. Tres mujeres con un niño representa el comienzo de la vida; el grupo intermedio simboliza la existencia diaria de madurez; en el grupo final de la concepción del artista, "una mujer mayor proximidad de la muerte aparece reconciliada y dedicó sus reflexiones", a sus pies, "un pájaro blanco raro ... representa la inutilidad de las palabras."

Pablo Picasso "Guernica"

1937, óleo sobre lienzo. 349h776 cm

Museo Reina Sofía, Madrid

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El lienzo-mural enorme "Guernica", escrito por Picasso en 1937, dice el allanamiento voluntario unidades de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, que se tradujo en seis mil ciudad fue completamente destruida. La imagen fue escrito sólo un mes - los primeros días de trabajo en una pintura de Picasso trabajaron durante 10-12 horas, y ya en el primer esbozo se podían ver la idea principal. Este es uno de los mejores ejemplos de la pesadilla del fascismo, así como la crueldad humana y el dolor.

"Guernica" es la escena de la muerte, la violencia, la brutalidad, el sufrimiento y la impotencia, sin especificar sus causas inmediatas, pero son evidentes. Se dice que en 1940, Pablo Picasso fue convocado a la Gestapo en París. De inmediato se dirigió a la imagen. "¿En serio?" - "No, lo hizo."

Jan van Eyck "retrato de Arnolfini"

1434, óleo sobre madera. 81.8h59.7 cm

Galería Nacional de Londres, Londres

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El retrato supuso Giovanni di Nicolao Arnolfini y su esposa es una de las obras más difíciles de la escuela de la pintura occidental del Renacimiento del Norte.

Pintura famosa del todo lleno de símbolos, alegorías y varias referencias - hasta la firma "Jan van Eyck estuvo aquí", lo que hizo que no es sólo una obra de arte, y el documento histórico que confirma los hechos reales se llevaron a cabo, a la que asistieron el artista. En Rusia en los últimos años el panorama ha ganado gran popularidad debido a la semejanza retrato Arnolfini con Putin.

Mikhail Vrubel "asentada Demon"

1890, óleo sobre lienzo. 114h211 cm

Galería Tretyakov, Moscú

demonio de manera sorprendente

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Imagen Vrubel. Triste chico de pelo largo no le gusta la idea de humano universal debe ser similar a un espíritu maligno. El artista habló de su más famoso cuadro:

"Demonio - el espíritu no es tanto el mal como el sufrimiento y la tristeza, en el mismo espíritu imperioso, digna". Esta es una imagen de fuerza del espíritu humano, la lucha interior, sin duda. Trágicamente con las manos entrelazadas, demonio sentado con triste, apuntando hacia los ojos enormes distancias, rodeado de flores. La composición enfatiza figura demonio stesnonnost, como si intercalada entre las vigas superior e inferior del marco.

Vasily Vereshchagin "La apoteosis de la guerra"

1871 óleo sobre lienzo. 127h197 cm

Galería Estatal Tretyakov, Moscú

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Vereshchag - uno de los principales pintor de batalla ruso, pero él señaló a la guerra y la batalla no porque los amaba. Por el contrario, él estaba tratando de dar a la gente su actitud negativa a la guerra. Una vez en el calor de la emoción Vereshchag dijo: "La mayoría de los cuadros de batallas no escribirá - Basta estoy demasiado cerca de mi corazón aceptar lo que escribo, vyplakivayu (literalmente) Monte cada heridos y muertos!". Probablemente el resultado de esta exclamación era una imagen terrible y fascinante de la "apoteosis de la guerra", que representa el campo, los cuervos y la montaña de cráneos humanos.

La pintura era tan profunda y emocionalmente, que cada cráneo tumbado en la pila, se empieza a ver a la gente, su destino y el destino de aquellos que tienen estas personas nunca ven. Vereshchag mismo a sí mismo con una triste sarcasmo llama la pintura "Naturaleza muerta" - que muestra una "naturaleza muerta". Todos los detalles de la imagen, incluyendo el color amarillo, que simbolizan la muerte y la destrucción. cielo azul claro hace hincapié en la imagen mortvennost. La idea de "la apoteosis de la guerra" se expresa como las cicatrices de las espadas y los agujeros de bala en el cráneo.

Grant Wood "gótico americano"

1930 aceite. 74h62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

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"American Gothic" - una de las imágenes más reconocibles en el arte americano del siglo XX, famoso arte meme XX y XXI siglos.

Pintura con el padre y la hija oscura está llena de detalles que indican la gravedad de imágenes puritanismo y misoneísmo de personas. tridente persona enojada justo en el centro de la imagen, un anticuado incluso para los estándares de 1930 ropa, expuesta articulaciones del codo en la ropa de los agricultores, repitiendo la forma del tenedor y, por tanto, una amenaza que va dirigido a todas las personas que puedan interferir. Todos estos detalles se pueden ver y sin parar de temblar neuyuta.

Es interesante que los jueces de la competencia en el Instituto de Arte de Chicago abrazaron la "gótica" como "un Valentine buen humor," y la gente de Iowa, muy molestos por Wood porque él los representa en una luz tan desagradable.

Raney Magritt "amantes"

1928 óleo sobre lienzo

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Pintura "amantes" ( "amantes") existe en dos versiones. Un hombre y una mujer cuya cabeza está envuelto en tela blanca, beso, y otro - "mirada" al espectador. La imagen es sorprendente y fascinante. Dos figuras sin rostro Magritte transmite la idea del amor y la ceguera. Sobre la ceguera en todos los sentidos: en el amor no se puede ver, no puede ver a sus personas reales y que, por otra parte, en el amor - un misterio, incluso el uno al otro. Pero esta aparente claridad, todavía va a seguir investigando a los amantes magrittovskih y pensar en ellos.

Casi todas las pinturas de Magritte - este juego de puzzles, que son completamente imposibles de resolver, ya que plantean preguntas acerca de la esencia del ser. Magritte habla siempre de las apariencias engañosas, su misterio escondido, que por lo general no se dio cuenta.

Chagall "Walk"

1917 óleo sobre lienzo

La Galería Tretiakov de Estado

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En general, extremadamente grave en su pintura Marc Chagall escribió un delicioso manifiesto de su propia felicidad, llena de alegorías y amor. "Walk" - un autorretrato con su esposa Bella. Su favorita eleva en el cielo y llevar esa mirada en vuelo y Chagall, de pie en el suelo inestable, como si tocando solamente los zapatos dedos de los pies. En el otro lado Chagall tit - él es feliz, sino que también tiene pájaro en la mano (probablemente su pintura), y dos en el monte.

El Bosco "El jardín de las delicias"

1500-1510, óleo sobre madera. 389h220 cm

Prado, España

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"El jardín de las delicias" - el más famoso tríptico de El Bosco, debe su nombre en el centro, dedicado al pecado de la lujuria. Hasta la fecha, ninguna de las interpretaciones disponibles de la pintura no se considera la única verdadera.

Perdurable encanto y al mismo tiempo, la extrañeza del tríptico es la forma en que el artista expresa la idea principal a través de una gran cantidad de detalles. La imagen está llena de figuras transparentes, instalaciones fantásticas, monstruos que han encontrado en la carne de las alucinaciones, caricaturas infernales de la realidad, a la que se ve escrutadora, se ven muy agudo. Algunos estudiosos han querido ver en la imagen tríptico de la vida humana a través del prisma de su vanidad y las imágenes de amor terrenal, otros - una celebración de la sensualidad. Sin embargo, la simplicidad y un cierto distanciamiento, que trata las figuras individuales, así como una actitud favorable a este trabajo por parte de las autoridades de la iglesia ponen en duda que su contenido podría ser la exaltación de los placeres corporales.

Gustav Klimt "las tres edades de la mujer"

1905, óleo sobre lienzo. 180x180 cm Galería Nacional de Arte Moderno, Roma

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"Las tres edades de la mujer" es a la vez alegre y triste. En ella tres figuras historia de la vida de una mujer escriben: despreocupada, relajada y desesperación. mujer joven orgánicamente entretejido en el modelo de vida, la edad - se destaca de ella. El contraste entre la imagen estilizada de una mujer joven y un viejo camino naturalista mujer adquiere un significado simbólico: la primera fase de la vida trae consigo un sinfín de posibilidades y la metamorfosis, la última - la consistencia inmutable y el conflicto con la realidad.

La tela no suelta, que se mete en el alma y nos hace pensar en la profundidad del mensaje del artista, así como la profundidad y la inevitabilidad de la vida.

Egon Schiele "familia"

1918, óleo sobre lienzo. 152.5h162.5 cm

Galería "Belvedere", Viena

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Schiele era un discípulo de Klimt, pero como cualquier buen estudiante, que no copió su maestro, y estaba buscando una nueva. Schiele mucho más trágica, extraño y aterrador que Gustav Klimt. En sus obras, mucho de lo que podría llamarse la pornografía, diversas perversiones, el naturalismo y al mismo desesperación persistente.

"Familia" - su último trabajo, que llevó a la desesperación absoluta, a pesar de que esto - el menos extraño aspecto de su imagen. Lo pintó antes de su muerte, después de que el español de la muerte de su esposa embarazada Edith. Murió 28 años más tarde, sólo tres días después de Edith, tener que dibujarlo, ellos mismos y su hijo no nacido así.

Freed Calo "Two Frieda"

1939

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Historia de la dura vida de la pintora mexicana Frida Kahlo llegó a ser ampliamente conocido después de la película "Frida" con Salma Hayek en el papel principal. Kahlo escribió su mayoría autorretratos y la razón es simple: "Le escribo para mí mismo, porque paso mucho tiempo sola y porque soy el tema que mejor conozco." Ni una sola autorretrato de Frida Kahlo sonríe: graves, incluso la cara triste, cejas pobladas crecido juntos, zarcillos tenues de los labios apretados. La idea de sus pinturas se cifran en detalles, los antecedentes, las cifras que aparecen junto a Frieda. simbolismo de Kahlo se basa en las tradiciones nacionales y está estrechamente ligado a la mitología india de la época prehispánica.

En una de las mejores pinturas - "Dos Frida" - expresó masculino y femenino, se unió en su sistema circulatorio sola, lo que demuestra su integridad.

"El puente de Waterloo. Niebla Efecto" de Claude Monet

1899 óleo sobre lienzo

El Museo del Hermitage, San Petersburgo

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En la revisión de las tomas a corta distancia al espectador ve más que las pinturas que llevan las manchas aceitosas gruesas frecuentes. Los trabajos de magia se revela cuando comenzamos a mover poco a poco de la web a una distancia mayor. En primer lugar, antes de empezar a manifestarse extraña semicírculo que pasa por el centro de la imagen, a continuación, vemos un esquema claro de los barcos y se fue a una distancia de unos dos metros por delante de nosotros bruscamente dibujadas y dispuestos en una cadena lógica que une todo el trabajo.

Jackson Pollock "No. 5, 1948"

1948 tablero de fibra, aceite. 240h120 cm

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El extraño de esto es que el tejido del líder estadounidense del expresionismo abstracto, que pintó, la pintura se derrame sobre la descomposición en el suelo un trozo de tablero de fibra - la pintura más cara del mundo. En 2006, Sotheby pagado por ella $ 140 millones. David Giffen, cineasta y coleccionista, lo vendió al financista mexicano David Martínez.

"Sigo a alejarse de las herramientas habituales de la artista, como el caballete, la paleta y el pincel. Yo prefiero palos, palas, cuchillos y la pintura o de la mezcla de pintura con arena, vidrios rotos o alguna otra cosa vertido. Cuando estaba dentro de la pintura, no me di cuenta lo que estoy haciendo. la comprensión llega más tarde. no tengo ningún miedo al cambio o la destrucción de la imagen, ya que la imagen viva su propia vida. estoy ayudándola a salir. Pero si pierdo contacto con la pintura, resulta que la suciedad y el desorden. Si no es así, es pura armonía, facilidad de cómo se utiliza Resh y le dan ".

Joan Miró "hombre y mujer frente a un montón de excrementos"

1935, cobre, aceite, 23h32 cm

Fundación Joan Miró, España

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Un buen nombre. ¿Y quién hubiera pensado que esta imagen nos habla de los horrores de la guerra civil.

La película fue hecha en una hoja de cobre para la semana entre 15 y 22 de octubre 1,935 mil. De acuerdo con Miró, es el resultado de los intentos de retratar la tragedia de la Guerra Civil española. Miro dijo que era una foto de un período de ansiedad. La pintura representa a un hombre y una mujer que se extiende a los brazos del otro, pero no se mueve. El aumento de los órganos sexuales y colores nefastos fueron descritos como "lleno de asco y repugnancia de la sexualidad."

"Erosión"

Jacek Yerka

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El neosyurrealist polaco conocido en todo el mundo por sus impresionantes pinturas que combinan la realidad, la creación de otras nuevas. Es difícil considerar que es muy detallada y el trabajo un poco reconfortante en uno, pero es el tamaño de nuestro material, y tuvimos que elegir uno - para ilustrar su imaginación y habilidad. Le recomendamos que lea en detalle.

Bill Stoneham "Las manos se le oponen"

1972

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Este trabajo, por supuesto, no se puede contar entre las obras maestras del arte mundial, pero que es extraña - es un hecho.

Alrededor de la imagen con el muñeco y la palma de la mano pegada al cristal, es legendaria. De "porque este dado" a "los niños que viven en ella." La imagen se ve mucho miedo, que le dan las personas con mentalidad débil muchos miedos y fantasías.

El artista también insistió en que la pintura representa a sí mismo a la edad de cinco años, que la puerta - vista de la línea divisoria entre el mundo real y el mundo de los sueños, y la muñeca - una guía que va a ser capaz de mantener al niño a través de este mundo. Las manos representan la alternativa de la vida o la capacidad. El cuadro ganó prominencia en febrero de 2000, cuando fue puesto a la venta en eBay con una historia, que dice que la pintura - "encantada". "Las manos se le oponen," compró por 1.025 dólares, Kim Smith, que luego fue simplemente inundado con cartas de historias y requisitos para quemar la imagen de horror.